Filomografía de tus directores favoritos

[Jose]

La intención de este cutre-post es que aquellos que conozcan la obra de un director potente (o una mierda de director, pero que les guste) comente su filmografía con el fin de darla a conocer a los demás foreros o aportar un punto de vista diferente sobre sus películas.

Por ejemplo, un podría dar motivos y argumentos de porqué Kubrick tiene películas tan potentes mientras que a otros les parece una soberana mierda aburrida o reivindicar la filmografía de un director en horas bajas. O simplemente escribir sobre cine, que ya mola.

Sé que aquí hay mucho tragador de celuloide dispuesto a compartir su sabiduria palomitera o gafapástica que al menos yo, estoy deseando leer.

Como ejemplo comentaré la filmografía de uno de mis directores favoritos: John Carpenter.

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Pasando de telefilmes y Dark Star (que no la he visto) xd

ASALTO A LA COMISARÍA DEL DISTRITO 13. 1976:

Un remake/homenaje de "El álamo" en clave policíaca. Ya desde su pseudo opera prima (Dark Star fue co-dirigida con Dan O´Bannon -el guionista de Alien-) expone lo que va a ser las constantes en su cine: homenajes directos al Western, que va desde la temática hasta la psicología de los personajes (esa camadería muy macho-man entre ellos), personajes atrapados en espacios cerrados y salvo en casos puntuales, unos malos totalmente desdibujados, sólo son figuras en la sombra o personas con muy mala leche prácticamente mudas.

HALLOWEEN. 1978.

El slasher más elegante de la historia. Elegantemente rodada, elegantemente fotografiada y sin apenas casquería. Hoy en día puede verse como una acumulación de tópicos de este sub-género, pero como dije en otro post, ésta fue la película que los "creó" (para bien o para mal). Resulta curioso que aún trabajando con presupuestos bajísimos, las películas de Carpenter parecen muchísimo más caras de lo que son, como en...

LA NIEBLA. 1980.

Un cuento de fantasmas con reparto coral. Un pedazo de peliculón que se toma su tiempo para presentar los personajes e ir creando atmosféra para acabar (otra vez) encerrando a los personajes en una iglesia intentando defenderse de Lechuck´s. Papelito para Janet Leigh.

1997. RESCATE EN NEW YORK. 1981.

Carpenter se pasa al cómic futurista, creando uno de los héreos de acción con más chicha de los últimos tiempos: Snake Plissken, interpretado por su colega Kurt Rusell. Aparte de ofrecer una de las mejores películas de acción (futurista) de los 80, comienza a salirle la vena rojilla que tan incómoda pone a veces al Hollywood conservador. Los Estados Unidos es ahora un estado policial represor donde toda la chusma es relegada a una decrépita NY que hace las veces de prisión. Excelente película que tuvo su remake (enmascarado de secuela) años más tarde.

LA COSA. 1982.

Durante bastante tiempo se consideró a la primera película de gran presupuesto del director como un catálogo de casquería gore sin más interés que los FX de Rob Bottin. Sin embargo, y al fin, hoy en día se reivindica como uno de los mejores ejercicios de estilo de su director y asumida ya la vorágine de los efectos especiales, el espectador se centra más en potentes escenas de suspense y tensión como la prueba de sangre. De los mejores finales que he visto en el género: los dos supervivientes sabiendo que uno de ellos es portador de "la cosa", en vez de atacarse, se quedan en la nieva echándose un trago. Final cervecero y aplaudible donde los haya.

CHRISTINE. 1983.

Según algunos, de lo más flojo de Carpenter. No deja al menos de ser una película entretenida basada en una novela de Stephen King, que para sumarle enteros podría haberle dado más personalidad al coche asesino que da título a la película (personalidad que tenía en la novela, por ejemplo). Disfrutable.

STARMAN. 1984.

Otro encargo de estudio como la anterior, pero más redonda. Asimilando el cine spielberiano (no sólo en que parece un remake de E.T.), se nos muestra una road movie que podría ser la versión alienígena de "Dos en la carretera" (película que no he visto, pero el símil me viene a huevo ). La mala baba de Carpenter se esfuma en esta follarina y simpática película, con un par de escenitas cumbre aumentadas por la sintética banda sonora de Jack Niestchze. Me mola.

GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA. 1986.

Llegamos ya a la salida de armario de Carpenter. Cuando ya comienza más o menos a rodar lo que se le sale de la polla sin rendir cuentas a nadie (o casi nadie). Mucho antes de que la vorágine de cine oriental americanizado llegara a Hollywood, el melenudo director ya nos ofrecía en los ochentas un cuento a là Sax Rohmer lleno de chinos con espadas volando y haciendo piruetas imposibles. Con uno de los mejores antihéroes de la historia: Jack Burton, propietario de los diálogos y salidas de tono más macarras del cine ochentero. Una fumada lisérgica llena de estética oriental y que es uno de las películas más accesibles y disfrutables del director.

EL PRÍNCIPE DE LA OSCURIDAD. 1987.

Después de que los estudios le dieran la patada a Carpenter, pues la anterior fue un fracaso en taquilla (pero irónicamente sigue dando un pastón y le sigue siendo rentable a la Fox), vuelve al cine de serie B y a su tema recurrente: el velado homenaje a El Álamo y La noche de los muertos vivientes. Una película fallida, lenta pero con varios apuntes ingeniosos. Entretenida al menos.

¡ESTÁN VIVOS!. 1988.

La película más política de Carpenter, donde unos alienígenas controlan el mundo sin que éste lo sepa, haciéndonos a todos unos borregos consumidores. Lo gracioso de la película es que da igual que los amos del mundo sean unos cadavéricos extraterrestres, el resultado y todos lo estamos viviendo es el mismo: nos controlan y nos suda la polla (también qué remedio...).
Otro prota cervecero para la colección, ese luchador de pressing catch inexpresivo reconvertido a actor: Rody Piper.

MEMORIAS DE UN HOMBRE INVISIBLE. 1992.

El intento de John Carpenter de convencer a un gran estudio de que él podía hacer la misma mierda que ellos (más o menos es lo que le dijo a la Warner, aunque no con esas palabras). Él mismo la definió como la versión fantástica de Con la muerte en los talones y salvando las diferencias, razón no le falta. Papelito serio (y aceptable) para Chevy Chase. Los mejores FX de invisibilidad hasta la fecha (incluso diria yo que mejores que los de El Hombre sin Sombra). Fue un fracaso, pero es una buena palomitada.

EN LA BOCA DEL MIEDO. 1994.

Comienza la etapa "elegantísima" de John Carpenter y cuando ya es considerado como un verdadero auteur (en Francia por ejemplo, lo veneran). Background lovecraftino para uno de los mejores descensos a los infiernos de un personaje de cine de terror. Repleta de escenas de tensión y atmósfera. De los DVD´s más esperados para el coprófago de serie B.

EL PUEBLO DE LOS MALDITOS. 1995.

Remake de un clasicote inglés de los 50. LLeno de efectivos actores de 15 minutos de fama (Michael Paré, Linda Kozlowski, Mark Hamill) y Christopher Reeve intentando sacarse el inmerecido encasillamiento de cara a la galería. Muy recomendable y de nuevo, excelentemente rodada.

2013: RESCATE EN LOS ANGELES. 1996.

Si quieres té, tomas dos tazas. Si a alguien le supo a poco Rescate en NY, aquí tiene el original corregido y aumentado. Un dardo envenenado a la actual sociedad americana y un acto de clarividencia, convirtiendo el entrañable tío de Spiderman en la fotocopia de George Bush, JR. Plissken vuelve más bluff que nunca, sobretodo al final, poniéndo al mundo donde tiene que estar: en la edad de piedra para que comencemos de nuevo. Esta vez, actores que se morían de ganas de trabajar con el director tienen su papelito con chicha, desde Steve Buscemi, Bruce Campbell y varios simpáticos cameos. Sigue siendo un western e incluso se toma la libertad de convertir el típico duelo Okcorralero en un surrealista partido de basket a vida o muerte que acaba siendo una de las mejores escenas de la película.

VAMPIROS. 1998.

Lo más cercano que ha estado Carpenter de su añorado western a là Howard Hawks. Esta vez los indios son vampiros, los pistoleros una panda de cazavampiros en un desértico escenario. James Woods se convierte en otro camionero personaje carpenteriano, sudándole la polla todo y dándole palizas sin razón a un sacerdote que lo acompaña en toda la película. Políticamente incorrecta (adrede, sólo por el simple hecho de tocar la polla a los reaccionarios), ahí está el maltrato que sufre el personaje de Sheryl Lee o de nuevo, las humillaciones del pobre curita. Otra sarta de diálogos cachondos e imposibles y otra muestra de camadería vaquera: la despedida de James Woods a un Baldwin: "Voy a matarte, pero como eres mi amigo te doy quince minutos de ventaja." ¡Peliculón!

FANTASMAS DE MARTE. 2001.

Lo último ( ) de Carpenter, es de nuevo otro western, pero esta vez espacial. Buen empleo del flash-back, buen uso del scope y la fotografía y personajes femeninos tomando rol masculino (la Tierra y el ejército es un matriarcado). Estéticamente mola un pegote: esos zombis tribales sado-maso y esos rojos en la fotografía que ambienta un cohón. Al parecer no goza de mucha aceptación en el público, pero me parece un cúmulo de tópicos de cine carpenterino. Es decir, otro peliculón.

[VORTEX]

Como no tengo demasiado tiempo pero este post me tienta un montón (muchas gracias, Jose) voy a ir poniendo cosas poco a poco. Empezamos por David Lynch, una de las mentes creadoras más importantes e innovadoras de los últimos tiempos.

CABEZA BORRADORA (1977)

El primer largometraje dirigido por David Lynch, Cabeza borradora, retrata la formación y degradación de una familia, que surge de una coyuntura muy habitual: el embarazo no deseado. el film propone un pesimista bosquejo no solo de la institución familiar, sino también de la monótona vida que hay tras (o debajo de) los constantes ruidos y opresivos decorados que dibujan una sociedad burguesa e industrial, es decir, contemporánea.

Sin embargo, Cabeza borradora no debe verse cómo una crítica hacia instituciones y/o estamentos, como pueda ser el matrimonio y las obsoletas tradiciones religiosas, aunque, es cierto, que ofrece un duro retrato de todo ello e incluso no vacila en mostrarse cruel, en ocasiones, como prueba la tensa (y formidable) secuencia de la cena en casa de los padres de la muchacha. Cabeza borradora es, más bien, una experiencia sensitiva, que parte de un anecdótico y sencillo punto de partida para remover lo monstruoso y lo extraño de entre lo aparentemente normal, sacarlo a luz y ofrecer una serie de impactantes y sorprendentes imágenes y un sinfín de inteligentes metáforas plásticas llenas de una desbordante imaginación.

El propio apartamento del protagonista, apenas un cuarto y un servicio; los extraños invitados de sus sueños: la chica del radiador, el hombre de la máquina…; la vecina con la que Henry tiene un encuentro sexual; el bebe-monstruo que es en realidad el hijo de Henry y su repelente lloriqueo-quejido-presencia… No se alcanza, en ocasiones, a discernir dónde empieza el sueño y dónde termina la realidad y si los acontecimientos de los que somos partícipes son tan solo producto de la peculiar mente del protagonista que prolonga su propia angustia.

EL HOMBRE ELEFANTE (1980)

La enfermedad -neurofibromatosis- que padeció John Merrick le convirtío en un monstruo para la mayoría de ojos, que llenos de una asquerosa morbosidad y/o curiosidad se acercaban a la feria en la que servía como otra más de sus atracciones y donde se podía leer, en los programas de mano para el público, la descripción que de si mismo hacia el joven deforme.

La historia del pobre John Merrick rodada en un magistral blanco y negro de Freddie Francis -posterior colaborador de Lynch, en Dune (id, 1984) y Una historia verdadera- y con una admirable recreación del Londres victoriano, no es un biopic al uso, nada tiene que ver con este temible subgénero. Es el retrato de la monstruosidad del ser humano frente a lo desconocido o diferente, frente al monstruoso aspecto físico de un hombre condenado desde su nacimiento de forma implacable y cruel. También es una conmovedora historia sobre el deseo de ser amado y respetado. John Merrick, interpretado soberbiamente por John Hurt, es el catalizador de lo primero, y el ingenuo representante de lo segundo. Sin embargo, El hombre elefante, no se detiene en la descripción únicamente de Merrick, hay hueco para que aparezcan diversos personajes de diferente catadura moral, con fines opuestos en ocasiones, similares la mayoría, que permiten obtener varios puntos de vista sobre el fenómeno y que, en algunos casos, son fiel reflejo de la perversidad humana.

No obstante Lynch en ningún momento resulta maniqueo mostrando la ruindad de cada personaje negativo y la bondad del protagonista. Todos y cada uno de los representantes de la normalidad física son lo suficientemente ambiguos para parecer auténticos, identificando diferentes estamentos sociales y profesionales, pero evidenciando sus más oscuros intereses y/o deseos, en ocasiones, envueltos de las mejores intenciones.


DUNE (1984)

La adaptación de la excelente novela de Herbert tardó casi veinte años en llevarse a cabo, tras pasar por las manos de, entre otros, Alejandro Jorodowski que quiso contar con Salvador Dalí para interpretar al emperador Shaddam IV, y Ridley Scott, que trabajó durante un año el guión y acabó abandonando en beneficio de Blade Runner), llegó a Lynch (que recientemente había rechazado la propuesta de George Lucas de dirigir El retorno del Jedi/Return of the Jedi, 1983. Richard Marquand) de las manos del productor Dino de Laurentiis y, en especial, de su hija Rafaella, que se había enamorado del film anterior de Lynch, El hombre elefante (The Elephant Man, 1980). Ninguno de ellos, craso error, conocían el film anterior a El hombre elefante y ópera prima de Lynch, Cabeza borradora (Eraserhead, 1976), es más, cuando Dino De Laurentiis vio el film una vez empezada la producción de Dune dijo haber salido asqueado de la sala de cine; lo que lleva a pensar que en ningún caso, el veterano productor, que anteriormente había producido grandes films como La strada (ídem, 1954. Federico Fellini) o Guerra y paz (War and Peace, 1956. King Vidor) y no tan grandes como Barbarella (ídem, 1968. Roger Vadim) o El justiciero de la ciudad (Death Wish, 1974. Michael Winner), hubiera pensado en Lynch para realizar su superproducción de Dune. Si a esto le añadimos el placer que siente Lynch al narrar historias de vecindario, con verdadera pasión por las abstracciones internas de los hogares en comparación con la frescura exterior, uno se pregunta como se sentiría Lynch en un film de ciencia-ficción rodando en el desierto mejicano con más de mil técnicos a su cargo y con más de dos mil extras a los que guiar. Pese a que tanto Herbert, que aseguró sentirse muy a gusto con el film, hasta de Laurentiis, que produciría el siguiente film de Lynch, la maravillosa Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986) siempre llevaron una relación amigable con Lynch (algo que es de extrañar, pues de los 60 millones de dólares que costó la producción, sólo recaudó en su estreno unos 17), las diferentes tensiones ejercidas entre ellos durante el rodaje, acabaron por desgastar a Lynch, realizando múltiples concesiones que se tradujeron en la pantalla en el recorte de más de tres horas de metraje y en un continuo uso explicativo de la voz en off, tanto por el devenir de la historia a cargo de la princesa Irulan (Virginia Madsen) como en los pensamientos de los personajes, que aunque comenzaron, bajo idea de Lynch, insinuando sensaciones, acabaron siendo meramente explicativas, para que el espectador no andara perdido en un mundo tan complejo como el de Dune.

La historia mesiánica narrada en Dune, consta de una gran riqueza en personajes tan o más principales que el propio Paul Atreides (Kyle McLachlan), así como una excelente descripción de un mundo imaginario, que aunque sin llegar a cotas tolkenianas, si dio pie a uno de los mejores logros del film: La ambientación artística de los diferentes planetas en que viven los distintos clanes.

Los claros ganadores de la ambientación y descripción, tras la aburrida bondad que presentan los Atreides, es el universo corrompido de los Harkonnen. Es ahí donde se ve disfrutar más a Lynch, y por tanto, donde más se hace patente el estilo lynchiano de entender el cine y los sentimientos.

La maldad del Barón, directamente relacionada con otros oscuros personajes de Lynch, como el Frank Booth de Terciopelo azul o el Killer Bob de Twin Peaks: Fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walks With Me, 1992), se comparte con todo su clan, desde el mentat Piter de Vries (Brad Dourif) hasta sus sobrinos La bestia Rabban (Paul Smith) y Feyd Rautha (Sting) y el inevitable, como no, Jack Nance como Nefud, posiblemente el más alelado de los Harkonnen.

Así el encanto de Dune, ¿dónde queda? Pues únicamente en esas aproximaciones, siempre abstrayentes de Lynch, como cuando sueña con el goteo del agua sagrada, la prueba del gom jabbar, la presentación del planeta Giedi Prime o esa última escena donde Alia (Alicia Roanne Witt), levita con un puñal en la mano en superposición con los cuerpos muertos de los Sardaukar. Sin duda alguna, la imperfección de los efectos especiales, así como el maquillaje Harkonnen o los decorados de todos los planetas, consiguen en su anacronismo, realmente hoy poder conquistar al espectador que se atreva a adentrarse en universo segmentado, pero que en los momentos que Lynch dibuja, realmente aterroriza, realmente enamora.

TERCIOPELO AZUL (1986)

Las palabras de Thompson, que figuran en la carátula de la primera edición en vídeo del film dirigido por David Lynch, sintetizan de manera excelente la esencia de Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986) quizás la mejor película de su autor y una de las obras más extraordinarias del moderno cine americano.

A medio camino entre el thriller fantástico, el suspense y el terror, Terciopelo azul es un personalísimo film, que se vertebra todo él en la importancia del lenguaje cinematográfico como herramienta para crear un torrente de sentimientos y sensaciones. Es significativo al respecto el extraordinario comienzo del film: la canción "Blue Velvet" suena de fondo a la presentación de Lumberton, un pequeño pueblo maderero, en el que todo resulta apacible (unos niños cruzan la calle, un coche de bomberos pasea por la ciudad, un hombre riega su jardín)... pero de repente algo trunca la normalidad: el hombre que estaba regando su jardín sufre un ataque y cae desplomado al suelo... La forma de mostrar la intromisión de la anormalidad, lo extraño en un contexto de normalidad aparente está magníficamente conseguido por la planificación de esta secuencia: el primer plano de la manguera retorciéndose, el plano del hombre cayendo al suelo, el descenso de la cámara hasta el interior del césped donde hay unos insectos; en contraposición a los breves planos iniciales de presentación del pueblo, con un significado muy distinto, a pesar de su aprente parecido formal; a lo que habría que añadir el inserto de la manguera todavía expulsando agua, pues, a pesar de lo ocurrido, el tiempo no cesa.

Obviamente esta escena no está dialogada y el empleo de la música resulta admirable, lo que lleva a decir ya, que lo que hace que Terciopelo azul sea una obra maestra es su portentosa puesta en escena, por encima de lo que cuenta y de los personajes que pueblan el realto, muy atractivos, no obstante.

La violencia de Terciopelo azul es mostrada en off realmente, o, por lo menos, de las situaciones más violentas solo se ven sus consecuencias, en una ejemplar concisión narrativa y un admirable empleo de la sugerencia y la elipsis. En Terciopelo azul, el empleo del sonido va desde el realismo absoluto (la escena en la que Jeffrey no oye el claxon del coche porque esta tirando de la cadena, solapándose ambos), hasta la sensación de desasosiego y misterio que provocan los multiples objetos del film, pasando por el repulsivo ruido que Frank emite cuando aspira de la bombona de oxígeno...

[narachamus]

Tengo prisa, pero responderé con más calma. Buen tema y muy buen director elegido, José, Carpenter es de esos poquísimos directores que no tienen porque agachar la cabeza ante ninguna de sus obras, más bien al contrario. Aún así, quedé con ganas en tu apartado de la Niebla de que me explicaras el final, que me pareció bastante inapropiado, o no lo entendí simplmente.
Peor lo tiene Vortex, que vaya huevos que tienes eligiendo a David Lynch, tengo muchas ganas de ver tus minireviews de Mulholland Drive y Carretera Perdida, cuyo significado nadie en el mundo sabe aún, y que hasta el propio Lynch quiere guardar en absoluto secreto, según dijo. Pero de ahí la gracia de las interpretaciones, no?
Cuando llegue escribiré sobre Shyamalan, que se que tanto odias, José .

Dejo aquí este post porque tenía prisa y quería decir todo esto, sin embargo, para que no entorpezca la idea que se pretende, me gustaría que lo borraseis mas tarde, o yo mismo, si aún nadie más ha replicado de nuevo, me encargaré de borrarlo. Saludos.

[Germen]

Ntchs, Carpenter, Lynch... que directores tan fáciles de defender. Yo sin embargo me atrevo con la casi imposible tarea de de defender la filmografia de uno de los directores más impersonales, mediocres, obviables y mercenarios de hollywood, ni más ni menos que un repaso a la filmografía de.... RENNY HARLIN xd.

Pasando de Infierno en el Ártico y Presidio, que no las he visto (ni ganas), iremos directamente hacia los verdaderos orígenes de la carrera de tan cáspico realizador, ni más ni menos que...

-PESADILLA EN ELM STREET 4 (1988) Y es que este señor es ni más ni menos que uno de los encargados de convertir la franquicia de Freddy Kruegger en la caspa que hoy por hoy es recordada por todos. Este tio hizo que Freddy se convirtiera en el humorista de moda y, en definitiva, parió un filme que defrauda en todo excepto en lo que Harlin no tuvo nada que ver: la dirección artística, los efectos especiales, etc.

Lo bueno es que la peli es una joya comparada con la quinta y, sobretodo sexta parte de la serie, truño infumable donde las haya. Y bueno, ni que decir tiene que me muero de ganasde pillarme esta y todas en DVD.

Después de esta potable ultra caspa, ¿a quien se le ocurrió llamarlo para ponerlo al cargo de...

-LA JUNGLA 2: ALERTA ROJA (1990)? Pero en contra de todo lo previsto, el resultado fue una peli de acción más grandilocuente (pero de menor calidad) que la primera entrega, y además supo pillarle los truquitos, el humor y la forma de contar de acción que hicieron que la primera parte fuese grande.

Esta no es tan grande, pero aún así tiene un guión decente que ya quisieramos ver plasmado en las pelis de acción de hoy en día, tiene a Bruce Willis soltando tacos por un aeropuerto al mismo tiempo que se encarga de hacerlo TODO, y en definitiva el resultado es una peli que te puedes poner a rever detrás de la primera sin ningún complejo.

Ese mismo año, el señor Harlin se encargaría de llevar a la gran pantalla...

-LAS AVENTURAS DE FORD FAIRLANE, y quizá sea esta, bajo mi podrido criterio, su trabajo más valioso. Menos mola, tocate las bolas, huevos fritos con jamón te los comes cuando quieras pero folla siempre con condón, tengo un banco de jurelillos nadando por mis pantalones y nadie me cree, tanto gilipollas y tan pocas balas y frégame los platos son algunas de las frases célebres que popularizó Andrew Dice Clay en esta peli de detectives en la industria de la música.

Que decir: cachondísima, imperdible y más de moda que nunca hoy en día, que viene a criticar la puta industria musical y los mongólicos prefabricados que colocan en los nº1 de los 40 principales. Una peli machista, bluff, provocadora, y que además cuenta con Priscillia Presley y Robert Englund. Si no la habéis visto, no se que coño hacéis leyéndome.

menos meritoria fue:

-MÁXIMO RIESGO (1993), que reuniría al director finlandés con Stallone para hacer este potable bluff, que todos recordareis porque empieza de forma muy potente, con la tipa esta cayéndose por la montaña en esa escena de tanta tensión. ¿Pero a que el resto de la peli lo recordáis borroso? Yo también, será porque a partir de ese prólogo tan chulo, el resto sería paja, así que pasamos a:

-LA ISLA DE LAS CABEZAS CORTADAS (1995), esta vez con Geena Davis haciendo de Elaine Marley, y a un efebo cuyo nombre ni recuerdo haciendo de Guybrush Threepwood, que vale, no tiene ni fantasmas ni vudú ni pollas en vinagre, pero de algún modo me resulta más simpática que Piratas del Caribe.

La peli no es para tirar cohetes, y antenta 3 tiene la culpa de que la hayamos aborrecido poniéndola a todas horas, pero en un DVD pirata escondido en un cajón nunca está de más tenerla.

-MEMORIA LETAL (1996), esta vez el compañero de otra dura Geena Davies sería Samuel L Jackson, y el mérito de esta peli es que carece de pomposas pretenciones, y se limita a abnordar con atino lo que era desde un principio una peli de acción sencillita, con sus giros argumentales y sin demasiados artificios, que además contaba con David Morse, que siempre se agradece, y la química entre los protas era bastante buena.

Me quedo con la Jungla 2, aunque esta le seguiría bastante de cerca.

-DEEP BLUE SEA (1999) demostró que aún se podía hacer algo interesdante después de Tiburón con el tema de los escualos, y lo mejor de esta peli es que era bastante sangrienta, original hasta cierto punto, y siempre sorprendente (¿a que no os pensabais que Samuel L Jackson iba a morir en ese punto de la peli?)
Otro film no destacable, pero sí pseudointeresante.

-DRIVEN (2001) volvió a juntar a Renny con Sylvester Stallone, en esta peli de Fórmula 1 con el libreto escrito por el propio Stallone, quien se pensaba que iba a salirle otro Rocky, y lo que le salió fue UN MOHON. Ahora bien, quizá involuntariemente, esta peli se puede interpretar como una parodia de tan aburrido deporte, para lo que llegan a hacer cosas tan absurdas como pillar dos monoplazas y montar una innecesaria persecución por la ciudad....
caspa pura, entretenida no obstante.

Y vamos llegando ya al final de su filmografía con

-CAZADORES DE MENTES (2004), un diez negritos pseudogore que a mi particularmente me pareció bastante truñoso, aburrido, y con el final más patético que se podía haber planteado. Ahora bien, ver a Christian Slater congelarse y partirse por la mitad, o a su Elvis Val Kilmer bailar cual marioneta en estado de descomposición, no tiene precio. Peli muy desaprovechada, de todas formas, como su último trabajo:

-EL EXORCISTA (EL PRINCIPIO), que le llegó de rebote después de que echaran a Paul Schrader delñ proyecto con la peli acabada, por no ser gore. ¿A quien vas a llamar? Pues a Renny Harlin, que por mucho que digan, hizo una mierda respetable, sin demasiadas fisuras y sí, con algunas cosas que no venían a cuento y salidas de madre como el exorcismo final, que convertía al padre Merryl en Constantine, y que ningún otro director habría tenido los cojones (o la insensatez) de rodar, así que sólo por eso ya mola la peli. Por eso y por la escena que nace el niño podrido jajaajxd

¿Qué nos deparará este glacial hijo puta? ¿Qué truños hará que nos traguemos? ¿Por qué tiene trabajo este tipo y John Carpenter no? Pues no lo se, pero qué coño importa, lo que mola es disfrutar de sus pelis, que no son tan mierdosas, coño xd.

[corven_]

Todo esto esta muy bien, pero.. me recuerda a cierta sección de cierto programa de cine de radio,ehem, que no estaría de más que volviera a antena... si el tiempo y las circunstancias lo permitieran xD, PD: Que conste que es una súplica xq me molaba.. xD

[narachamus]

M. NIGHT SHYAMALAN

Director, guionista, productor y actor, como todo buen director de cine que se precie (no compone su BSO como Carpenter, pero está visto que no le hace falta). "Encasillado" en un género de Terror/Suspense (que irónicamente consigue desencasillar de su hasta entonces decadencia), y siguiendo los pasos de Hitchcock y Spielberg, rueda 4 películas impresionantes (amén de "Praying with Anger" y "Los Primeros Amigos", que aún no he visto y espero ver), que son las que comentaré.

EL SEXTO SENTIDO (1999) - Una película de fantasmas.

El boom cinematográfico del año. La frase "En ocasiones veo muertos" quedará grabada en nuestras mentes para siempre.
Shyamalan aborda en su primera película el tema de los Fantasmas, y no sólo consigue renovar el género, y dar pie a una legión de imitadores que aún hoy siguen apareciendo (Ej.: White Noise), además consigue hacer la mejor película de Fantasmas sin ser explícitamente de fantasmas.
El Sexto Sentido trata sobre temas humanos en un trasfondo paranormal. Un chico inadaptado que busca ayuda de un psicólogo que a su vez necesita ayuda para sus problemas matrimoniales y personales. Shyamalan consigue reflejar tales sentimientos y darles veracidad gracias a un brillante guión, y a la trabajada interpretación de los actores:
- Por una parte, la de Haley Joel Osment, en el papel del niño con personalidad adulta y comportamiento sombrío, que gana un merecido oscar y crea su propia escuela de "niños trágicos", de donde saldrán Emily, del Escondite, o Aidan, de The Ring.
- Por otra, un desconocido Bruce Willis que logra quitarse la clásica camiseta de tirantes sudada de todas sus películas para hacer una de sus mejores interpretaciones.
Tras el drama principal, se esconde un subfondo fantasmagórico que logra asustar e inquietar por momentos, sustituyendo el susto fácil por el suspense prolongado, sin apenas efectos especiales, usando planos y movimientos de cámara de su propia cosecha, secuencias largas y una banda sonora estremecedora compuesta por James Newton Howard, que como la propia película, al final adquiere una impresionante carga emocional, donde es casi inevitable llorar.
Sin duda es eso lo que más impacta en la película. El final. Lo que será el leitmotiv de sus siguientes películas. Shyamalan guarda para el final una sorpresa inesperada, retuerce el guión 90º hasta dejar a todos con la boca abierta y ese taco despuntando en nuestra lengua que resume lo chocante, sorprendente e inesperado (y lógico, cuando ves de nuevo la película).

EL PROTEGIDO (2000) - Una película de superhéroes.

Mi favorita junto a Señales. De nuevo Shyamalan renueva el género de superhéroes, consiguiendo a su vez hacer la mejor película de superhéores sin ser explícitamente de superhéroes.
El Protegido trata de un drama humano (como el Sexto Sentido), sobre el problema familiar que tanto gusta a Shyamalan, y esta vez, de un hombre rechazado que, al contrario que el niño del Sexto Sentido, no soluciona su problema por el buen camino.
Tras este drama, se oculta el fondo sobrenatural, la parte de la ficción, esta vez, aún más discreta, y no por ello menos perceptible.
Esta trama de ficción nos devuelve a los orígenes de la clásica batalla del bien contra el mal en el mundo del cómic, (que explica muy bien por cierto en la propia película). La estructura es la cualquier cómic: Batman, Superman, Spiderman... y sin embargo, todo parece increíblemente realista:
- El héroe: persona normal con problemas en su vida cotidiana. (Batman, Spiderman)
- El villano nº1: Persona con problemas que ha tenido una vida llena de frustraciones y desprecios que le ha llevado a ser solitario, frío y muy inteligente. Siempre es el malo malísimo. (Magneto, Dr. Muerte)
- El villano nº2: Persona descerebrada que abusa de las personas por pura maldad y vicio, siempre es el malo secundario... "el que combate al héroe con su puños". (Rino, Dientes de Sable)
- Los poderes: El protagonista los va descubriendo poco a poco y casualmente, aunque aquí no explota paredes, lanza rayos ni vuela, sino que intensifica los instintos y sentidos humanos.
- El disfraz: La capa (Superman, Batman), en este caso es un chubasquero (que fabricaron de forma especial para que los pliegues tuviesen mas vuelo). Resulta especialmente emotiva la escena donde tras acabar con El Hombre Naranja (así se llama el malo con quien lucha), cuelga en la percha de casa el chubasquero como si fuese la capa, como si por fin encontrara su destino, el sentido de su vida, y sobretodo, la satisfacción de hacer lo que debe hacer. Si es que hasta tiene las palabras "Security" grabadas, como tenía la "S" superman.
- El desenlace: combate final entre el héroe y el villano nº1, no a tortas, es un choque emocional entre polos opuestos (Xabier-Magneto, Superman-Luthor), que acaba con el encarcelamiento del malo en una prisión de máxima seguridad. (Asilo Arkham), y una nueva vida por parte de ese humilde humano dedicada a salvar a la humanidad. (Spiderman, Hulk)
De nuevo Bruce Willis haciendo un buen papel, y esta vez Samuel L. Jackson, que como siempre, convence como poco, y como pocos. Shyamalan vuelve a contratar a James N. Howard para la BSO, y esta vez, supera a su antecesora, con obras maestras como la pieza de "Orange Man", épica y heróica como jamás podrán siquiera soñar ponzoñadas infantiloides como los temas de Spiderman, Hulk, Daredevil y etc.
El Protegido no es una película, es una obra maestra. Es, dar una lección magistral sobre lo que es un cómic de verdad, dando otra a la vez sobre cómo hacer buen cine.

SEÑALES (2002) - Una película de extraterrestres.

Esta vez no habrá Bruce Willis. En su lugar, Shyamalan decide transformar esta vez a Mel Gibson, otro icono del cine de acción, encasillado en roles gamberros y violentos, con tiroteos y chistes fácil, y como con Bruce Willis, Mel Gibson hace en Señales uno de sus mejores papeles de la historia.
Shyamalan esta vez toca un tema diferente (no hay que repetirse, no?) y decide dejar por los suelos todo intento de buena película existente sobre extraterrestres, haciendo la mejor película de extraterrestres sin ser explícitamente de extraterrestres, y como no, para no perder la costumbre, renovando el género.
De nuevo, y tal vez de forma más patente que en las anteriores, Shyamalan aborda el drama familiar, distinto como siempre, esta vez lo enfoca en los problemas de un ex-cura que pierde la Fe cuando su mujer muere en un accidente de tráficos, y sobre las consecuencias posteriores de éste y su familia.
De nuevo, bajo la tragedia de una vida cotidiana, repta el argumento ficticio y aterrador de una invasión de extraterrestres a gran escala, digna de la propia Guerra de los Mundos, donde los protagonistas no salvarán el mundo porque son así de chulos (como suele pasar), sino que sobrevivirán a ella, para demostrarse así mismos que están unidos, y pueden volver a ser felices. "Esta vez la historia se cuenta desde dentro mirando afuera", como diría Sutter Cane.
Los extraterrestres son, a mi modo de ver, una excusa para unir a la familia, para que Graham recupere su fe, la película se llama Señales, pero no precisamente por los dibujos hechos en los campos de maíz, entre líneas se entiende Señales como "Señales de Dios". Es una apología a la Fe, entendiendo esta palabra como: "No te rindas, todo puede salir bien".
La trama está perfectamente ligada, Shyamalan vuelve hacer uso de sus míticos planos artísticos desde objetos reflectantes y posiciones curiosas, de los juegos de luces y sombras (escena del sótano), de la buena interpretación de los actores, los flashbacks, y de nuevo, de su compositor fetiche, Newton Howard, que crea la mejor BSO para mí jamás compuesta en la historia del cine, original, minimalista, expresionista, desconcertante y excesivamente emotiva y sentimental (Oigase "Hands of Fate Pt.1).
La película es impresionante, y el final, el mejor de Shyamalan.

EL BOSQUE (2004) - Una película de fábulas.

La última creación de Shyamalan (sin contar "Lady in the Water", que está en preproducción). La mejor película de fábulas sin ser explícitamente de fábulas, y renovando el género. Pocas realmente se han hecho de este género, si se distingue entre fábula (Caperucita) y relato fantástico (Señor de los Anillos). Recuerdo títulos como SnowWhite o en Compañía de los Lobos, y no es que sea un buen recuerdo.
Shyamalan inventa su propia fábula, e invierte su fórmula habitual, esta vez la realidad no trancurre sobre una ficción, sino que algo que parte como una fábula de ensueño, acaba siendo la pura realidad. Esta vez desmaquilla a Sigourney Weaver de su rol de Ripley, convirtiéndola en una adorable y sentimental aldeana, y carga con el protagonismo a una joven ciega.
Las criaturas aterradoras del bosque, sirven una vez más, para ayudar a resolver conflictos sentimentales (sin que con ello pierda el toque de suspense). Lo realmente impactante de esta película no es el principio, ni el final, es la película en si, que te hace pensar que estás en otro mundo, lejos de rayos laser, explosiones de edificios, puterios adolescentes, comediantes forzados y forzosos y demás morralla del cine actual. Es como desconectar, y en vez de ver una buena película, vivir una buena historia.
Esta vez la música de James Newton Howard se convierte en coprotagonista, siendo en el Bosque parte fundamental de su encanto.

[Jose]

¿Qué no entendiste del final de La niebla, narachamus? La cosa es sencilla, los fantasmas leprosos del barco (cargado) que hundieron a posta los fundadores de la ciudad, vuelven a por la cruz de oro de la iglesia, que no es más que todo el oro robado fundido en tan insigne simbolo. Una vez recuperado, desaparecen ellos y la niebla.

Y no, no odio a Shylamamón. Dije en otro mensaje que me parece cojonuda su forma de rodar totalmente apartada del frenético ritmo hollywoodiense, que es un director que planifica algo más de cinco minutos las escenas y que sabre crear tensión. Por el contrario tiene un exceso de pedantería a la hora de rodar que le acaba jugando malas pasadas (ese marciano visto a traves del cristal de un vaso en "Señales" al final de la película es lo más hostiable de su filmografía) y sobretodo, que no va conmigo su discurso tan, digamos rancio: esa defensa y esa moralina de la fe y la familia.

En mi opinión, sus películas no son más redondas por eso, por un discurso (más bien sermón) bastante almibarado, incluso naïf (jarl). Me viene a la mente esa patética escena del niño apuntando con la pistola a Bruce Willis en "El protegido", ese "¡Batea!" de Señales o esa conversación madre-hijo al final del Sexto Sentido más propia de un telefilm (que es lo que es la peli, vamos). No sé que trauma tuvo en la infancia, pero exorcizar de esa manera tan infantil sus fantasmas le pierde. Otro director con más mala baba o con una mirada de la vida un pelín irónica no convertiría un material tan suculento en un dramón de sobremesa.

Eso es lo que opino del Shylamamón, y también que los discursitos se los dé a entre otras personas dispuestas a recibirlos, a su puta madre xd

[corven_]

Yo si odio a Shylamamón, no hace más que caspa, los maravillosos planos de los que hablas, algunos de ellos, son propios de cine de serie B, otros simplemente no me gustan.
Y realmente lo que sobra de todas sus pelis son esos dircursitos familiares que estoy seguro que a los americanos les encantan.
La del sexto sentido es un capitulo de mas alla del limite demasiado largo, el protegido tiene una pega, y es que le falta chica, la peli se queda coja xq se centra mas en la vida familiar del super heroe, que en el hecho de que sea un super heroe, por muy humano y realista que sea que eso ta bien xd.
Señales le sobra el batea de acuerdo.. pero la del bosque ya no hay por dnd cogerla xDD.
Es el mismo puto discurso que ha estado haciendo en todas las pelis, solo que ahora te lo escupe a la cara es más obvio, mas claro, y a mi forma de ver las cosas, más molesto.
Pero como a los yankis les mola, es un rey xD.

Puag puag puag
ARrr

[narachamus]

No quería replicar, pues no es plan de convertir esto en un debate sobre un director, pero aclaro puntos.
Son esos dialogos sobre amor y familia las que hacen grandes las películas de Shyamalan, es ese "desprecio" al terror frente a la calidad del alma humana la que hace épicas y a la vez humildes sus películas, y finales como ese "Batea", o escenas como la del niño apuntando a Bruce Willis, las que convierten en emotivas sus secuencias; ¿pretenciosas? para nada, no usan ni lagrimeos, ni ralentizaciones ni gilipolleces corales de niños de San Ildefonso para hacer llorar al público, Shyamalan sabe hacer que un sentimiento de Bien se aprecie por el sentimiento y no por técnicas de fabricación, a mi por lo menos me hacen llorar siempre, y mucho, y se lo agradezco, adoro llorar de emoción.
El cinismo hoy en día es bien fácil, de hecho, hoy cualquiera es cínico, despreciar siempre es fácil, lo dificil hoy en día es saber valorar las cosas, destruir estos valores es una moda que por desgracia llama entre las juventudes, y es que lo dice el dicho: "quien es inutil en todo, sólo puede encontrar satisfacción despreciándolo".

[Jose]

Para nada, Narachamus. Shylamamón cuando quiere tocar la fibra sensible recurre al efectismo y al lloriqueo de telefilm. Esas monsergas sólo se salvan en "El bosque", es en esta peli cuando deja de ver las cosas blancas como el algodón y cuando su mirada se vuelve un tanto escéptica. No obstante en la película está hablando del mundo, de la sociedad que por mucho que querramos erradicar el mal interior que llevamos dentro (o fuera, algunos) apartandolo de nuestras vidas, sigue ahí. Somos así, básicamente.

Ese es el Shylamamón que me hubiera encantado ver en sus anteriores películas, el que no toma partido, el que simplemente expone. Y no se trata de que esté de moda ir de chungo por la vida. Yo no estoy hablando de eso. Lo que yo quiero decir es que si te tomas la confianza con el público de darle un sermón sobre el amor, la muerte o la fe, traza una raya y mantén una distancia. No hay que ser cínico ni irónico, sólamente hay que ser realista. Que lo blanco y lo negro no tiene chicha, donde está el meollo del asunto y lo más enriquecedor es la zona gris.

[corven_]

Pasando del Shylamamón...

Mira esto, por si no te has enterado Jose:
http://www.aullidos.com/leer_noticias.a ... oticia=529

Resumen: Nueva peli de Carpenter y dirección de las escenas de un vidriojuego de nextgen xD..

[narachamus]

A ver si es verdad que vuelve a la vida Carpenter, porque como haga como Craven y sus 500 proyectos...
Es interesante que grandes directores de cine quieran dejar su huella también en el mundo de los videojuegos. Igual que Carpenter con el Psychopath (del que también hará la película), Clive Barker vuelve a los videojuegos tras el impresionante Undying, con otro llamado "Demonik", y George Romero crea una teórica 5ª parte de su famosa (y única) saga junto a McGee (Alice), llamada "City of the Dead", que dicen será el juego más sangriento jamás visto... (ya, ya...).

[corven_]

No se como lo llevará romero lo del rollito sangriento pero viniendo del perro de McGee te aseguro sangre xD, no se cuanta pero la habrá.

[VORTEX]

Nace en Tokio el 16 de mayo de 1898 y fallece en Kioto el 24 de agosto de 1956.


Mizoguchi se acercó por primera vez a las artes plásticas durante su etapa como estudiante en el Instituto de Pintura Occidental Aohashi, en Tokio. En 1913 se formó en las técnicas del diseño textil, interesándose por las prácticas tradicionales en la elaboración de tejidos. La muerte de su madre, a quien se sentía especialmente unido, fue una de las principales tragedias de su vida. Este hecho marcó en cierta medida su futura existencia.

Trasladó su vivienda a Kobe, donde comenzó a trabajar como ilustrador de periódicos. La hermana de Mizoguchi fue geisha, una actividad que atrajo particularmente al futuro director. Fascinado por las artes de seducción femeninas, se mostró interesado por la vida privada de las cortesanas, un asunto que en adelante fue uno de los argumentos característicos de su cinematografía.

Buscó trabajo en los rodajes que promovía la compañía Nikkatsu y lo consiguió gracias a un antiguo profesor suyo. Logró un primer empleo en este campo como ayudante del director Osamu Wakayama. Tras un rápido aprendizaje comenzó a dirigir, con lo que su universo personal se movió a partir de ese momento en el entorno de las filmaciones.

Se ha dicho repetidamente que Mizoguchi se acerca al cine desde una perspectiva literaria, y ello es cierto. De hecho, varios de sus primeros trabajos son adaptaciones más o menos enmascaradas de novelas y obras teatrales. No se trata, sin embargo, de escritos tradicionales japoneses. Por el contrario, las mayores influencias en este sentido llegan al cine de Mizoguchi desde Occidente, pues el realizador era un lector ávido de literatura europea y norteamericana.
El esteticismo de su puesta en escena tiene que ver con su formación pictórica. Mizoguchi, ya desde sus primeros filmes, plantea la filmación como un ejercicio de ilustración. Compone meticulosamente los encuadres, de forma que sean bellos independientemente de su posterior montaje.


Ha sido un lugar común oponer la obra de Mizoguchi y la de Akira Kurosawa, y se ha destacado a este último como el más occidentalizado frente a la pureza tradicional del primero.

Lo cierto es que Kenji Mizoguchi, como admirador del arte occidental, reconoció desde el primer momento la influencia extranjera en su formación, aunque la mayor parte de su obra se inscriba dentro del género histórico, aparentemente más cercano a las esencias japonesas. Precisamente este género cinematográfico es el que más frecuentó en los años de la Segunda Guerra Mundial. Las autoridades imperiales vieron con buenos ojos sus relatos épicos como La venganza de los 47 samurais. Por otro lado, ello no comprometió políticamente al realizador más adelante, cuando la censura de las fuerzas de ocupación impusieron diferentes normas ideológicas.

La guerra concluyó dramáticamente para Japón. El general McArthur impuso un nuevo orden que cambió la vida de todos los ciudadanos del país. Los creadores cinematográficos encontraron entonces una nueva oportunidad para narrar historias ajenas al militarismo. Mizoguchi aprovechó esta coyuntura para desarrollar en la pantalla su pasión por la intimidad femenina. Películas como La victoria de las mujeres (1946), Cinco mujeres alrededor de Utamaro (1947) y Mujeres en la noche (1948) acreditan este interés.

En la mayoría de sus filmes, los personajes femeninos se ven reducidos a la condición de prostitutas. Sin embargo, pese a la presión masculina, desarrollan una vida interior intensa, valiente y llena de espiritualidad. Generalmente el destino acaba resultando trágico para este tipo de figuras, pero en la memoria de los espectadores queda su encanto personal, lleno de matices. Películas como La dama de Musashino (1951) refuerzan este modelo particular. Por otro lado, se trata de personajes de un fuerte sensualidad, que incluso pueden llevar la fatalidad a los personajes masculinos. Ese doble rostro de madre y cortesana es aplicable a la mayoría de las mujeres del cine de Mizoguchi.

En 1952 su película Vida de Oharu, mujer galante fue premiada en el Festival de Venecia. Este relato atormentado viene a ser un resumen de su visión del mundo de las pasiones. La protagonista sigue una trayectoria tortuosa por causa del deseo masculino, motivo de sufrimiento y, finalmente, de perdición.
El reconocimiento internacional no cambió sus hábitos de vida. Fueron los años de plenitud creativa. Dirigió Cuentos de la luna pálida de agosto (1953), El intendente Sansho (1954), La emperatriz Yang Kwei-fei (1955) y La calle de la vergüenza (1956). Cada una de estas películas puede figurar, por méritos propios, en cualquier listado de los mejores filmes de la historia del cine. Curiosamente, la última de ellas no se ambienta en épocas pasadas, sino en un presente oscuro. Las protagonistas, un grupo de prostitutas, quizá sean el reflejo de algunas de las mujeres que Mizoguchi ha conocido en sus paseos por los barrios marginales. Sin duda, se trata de una película tan hermosa como las anteriormente citadas, pese a no contar con la brillantez escenográfica del Medioevo japonés.

Tan asombrosa concentración de talento en apenas tres años no parece anunciar lo peor. Mizoguchi estaba enfermo, padecía leucemia y su vida no podía prolongarse por mucho tiempo. Aunque sus colaboradores lo ignoraban, él sabía perfectamente que le quedaban pocos meses de vida. El mal se agravó súbitamente mientras preparaba un nuevo rodaje. Murió en Kioto en 1956.
Tras su fallecimiento, lo más granado del cine japonés le rindió homenaje.


LA SEÑORITA OYU (1951)



Un triángulo amoroso es la base de este relato del que el maestro japonés hace una composición armoniosa y melódica. Shinnosuke tiene concertada una boda con Oshizu, pero al verlas pasear por el bosque la confunde con su hermana, una viuda llamada Oyu, y se enamora de ella.

La película ahonda en el llamado sacrificio, Oshizu accede a casarse y finge el matrimonio para que su hermana mayor esté cerca de Shinnosuke. La gente empieza a rumorear sobre lo extraño de la relación y Oyu se marcha de esa casa. Un sacrificio que engloba a los tres componentes pues Oyu calla su amor por Shinnosuke y éste no puede observar cómo su mujer, a la cual respeta, se hunde cada vez más. Una magnífica película que es un ejemplo claro de la forma de rodar de Mizoguchi y su obsesión por el universo femenino.

[Risingson]

Asignatura pendiente, el Mizoguchi este. A mí me mola bastante Ozu.